1-¿Qué Entendemos Por Barroco?
2-Instrumentos Musicales Del Barroco
3-Características Estilísticas
3.1-Nacimiento De La Ópera
3.2-Filosofía Sobre Las Pasiones Humanas De Descartes
4-Compositores Principales
4.1-J.S.Bach
4.1.1-Crítica Musical:"Concierto Nº2 De Brandemburgo"
4.1.2-El Clave Bien Temerado
4.1.3-Variaciones Golberg Interpretada Por Glenn Goauld
4.2-Händel
4.2.-El Estilo Coral De Händel
4.3-Vivaldi
4.3.1-Concierto Del Virtuosismo"Las Cuatro Estaciones"
martes, 13 de marzo de 2012
viernes, 24 de febrero de 2012
1. ¿Qué Entendemos Por Barroco?
La música barroca es el estilo musical relacionado con una
época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera
en el siglo
XVI (aproximadamente en 1585) hasta la mitad del siglo
XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).Se trata de una de las épocas musicales más largas,
fecundas,revolucionarias e importantes de la música occidental, así como
la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el
uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la
diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.EL BARROCO MUSICAL 1. Origen del término El término barroco (voz portuguesa que denota una perla de forma irregular) se tomó de la arquitectura (donde significa algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» aunque también es barroco algo recargado de ornamentos). En el siglo XVIII se usó peyorativamente para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado»
2. Instrumentos Musicales Del Barroco
Instrumentos de cuerda
Laúd: instrumento de cuerda pulsada, muy apreciado para acompañar cancionesy como “continuo” en la música de cámara.Para superar sus dificultades sonoras se hicieron construír diferentes tipos de laúd.
Violín: instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas.
Viola: Es parecida al violín pero de mayor tamaño. Adopta diferentes tamaños, y generalmente está signada a ser un instrumento de la orquesta, no solista.
Violonchelo: Se utiliza como bajo continuo. También podía hacer un solo.
Instrumentos de viento
Viola da gamba: tiene seis cuerdas afinadas por cuartas
La flauta dulce o flauta de pico: es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.
Un órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
El clavicordio es un instrumento musical europeo de
teclado, de cuerda percutida y sonido muy
débil. Este instrumento no se debe confundir con el clave (harpsichord, clavecín,
clavicémbalo, clavicímbano), la espineta
o el virginal.Las teclas del clavicordio son simples palancas;
cuando se hunde una de ellas se puntea la cuerda con una pequeña púa de
metal ("tangente") insertada en el extremo contrario de la tecla. Esta
tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en su
longitud. La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente
determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la
cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro
agudo.El clavecín (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo): es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra.
3. Carasterísticas Estilísticas
El barroco musical se desarrolla desde el siglo XVII, con la
aparición de la primera ópera, hasta la muerte de Johann Sebastian Bach
en 1750. Su nombre procede del portugués barrueco que significa
perla grande e irregular. En esta época el poder real se fortalece
debido a la creación de la monarquía absolutista. La sociedad se
dividía en privilegiados y no privilegiados.
Los hombres ricos y poderosos, usaban la música para mostrar su
superioridad al pueblo . La música entonces se vuelve indispensable
para cualquier actividad. El músico pasa a ser un sirviente más de los
que acompañaban a los nobles y les componian canciones. En el Barroco
surgen los llamados castrati. También consiguieron gran
popularidad los instrumentistas, los cuales inventaron el muermo,una
manera muy particular y difícil de interpretar la música, debido a su
velocidad y complejidad. La música más importante de esta época es la
profana, en la que destaca como una de sus formas la opera. En las
formas religiosas destaca el oratorio, la Cantata y la Pasión.
La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias partes donde podían improvisar.
Textura
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.
Estética y nuevas formas
En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés, y se vive además un resurgir de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias partes donde podían improvisar.
3.1 Nacimiento De La Ópera
La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa,
desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el
que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento
instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los
actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son
ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta
o una agrupación musical menor. La ópera
forma parte de la tradición de la música clásica
europea u occidentalLa palabra opera significa "obras" en italiano (es el plural de opus, del Latín,
que significa "obra" o "labor") sugiriendo que combina las artes del
canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo
escénico.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).
Dafne
de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal
como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la
gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas
florentinos,
conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina".
Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las
características de la antigüedad, propio del Renacimiento.
Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las
tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto
entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una
manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una
obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la
primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que
aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).
3.2 Filosofía Sobre Las Pasiones Humanas De Descartes
La palabra “barroco” tiene origen en una palabra que significa
“perla irregular”. En esta época se desarrollo un arte caracterizado por la
valoración de las formas llenas de contrastes. El Barroco marcó una época llena
de vanidad e irracionalidad, con una vida llena de ostentosidad y riqueza, pero
al mismo tiempo surgen movimientos religiosos que dan la espalda a este tipo de
vida, prefiriendo el retiro y la meditación. Las construcciones tipicas del
barroco eran exageradas, al igual que cualquiera de las cosas que eran
decoradas con el barroco.
La consigna de esta época
fue el “Carpe Diem”, o lo que es lo mismo, goza de este vida, al igual que la
frase “Memento Mori” que significa, recuerda que vas a morir.
La pasión es un movimiento que se imprime desde lo incorporal, que es la Inteligencia, el alma que se une por la razón a lo corporal o material (el cuerpo).
Las energías del Universo, de Dios, son la Inteligencia y el Alma. Todo está en movimiento, todo vibra.
De manera que la inteligencia, como energía de la Creación es un motor que imprime en el cuerpo un movimiento que llamamos pasión. El cuerpo, entonces padece o sufre, mientras la Inteligencia actúa.
En ese movimiento que se imprime en el cuerpo, la pasión es vivida como una emoción fuerte, y en el amor hablamos de "fogosidad" causalmente, pues el fuego o ese calor, es el que nos tiende a llevar hacia lo alto, pues el fuego, como elemento se eleva.
LAS PASIONES HUMANAS
a. Admiración,
Descartes, en su obra Les passions de l’âme, considera a la admiración como una de las seis pasiones primitivas o fundamentales, y la describe como «la súbita sorpresa del alma que la lleva a considerar con atención los objetos que le parecen raros y extraordinarios»
La pasión es un movimiento que se imprime desde lo incorporal, que es la Inteligencia, el alma que se une por la razón a lo corporal o material (el cuerpo).
Las energías del Universo, de Dios, son la Inteligencia y el Alma. Todo está en movimiento, todo vibra.
De manera que la inteligencia, como energía de la Creación es un motor que imprime en el cuerpo un movimiento que llamamos pasión. El cuerpo, entonces padece o sufre, mientras la Inteligencia actúa.
En ese movimiento que se imprime en el cuerpo, la pasión es vivida como una emoción fuerte, y en el amor hablamos de "fogosidad" causalmente, pues el fuego o ese calor, es el que nos tiende a llevar hacia lo alto, pues el fuego, como elemento se eleva.
LAS PASIONES HUMANAS
a. Admiración,
Descartes, en su obra Les passions de l’âme, considera a la admiración como una de las seis pasiones primitivas o fundamentales, y la describe como «la súbita sorpresa del alma que la lleva a considerar con atención los objetos que le parecen raros y extraordinarios»
b. Amor, El amor es un concepto universal relativo a la afinidad entre seres, definido de
diversas formas según las diferentes ideologías y puntos de vista
c. Odio, El odio es un sentimiento de profunda antipatía, rencor,
disgusto, aversión, enemistad o repulsión hacia una persona, cosa, o
fenómeno, así como el deseo de evitar, limitar o destruir a su objetivo.
d. Alegría
Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos.
Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos.
e. Tristeza Estado afectivo provocado por un decaimiento de la moral. Es la
expresión del dolor afectivo mediante el llanto, el rostro abatido, la
falta de apetito, etc. A menudo nos sentimos tristes cuando nuestras
expectativas no se ven
Época de
contrastes e incertidumbres, que le tocó vivir a René Descartes. Su valiente
búsqueda de la verdad, su clara conciencia de estar iniciando una nueva época,
su anhelo por superar viejos esquemas desfasados, es el deseo de encontrar luz
en una época de tinieblas. Es allí donde cimienta las bases del racionalismo
filosófico y científico. Partiendo de la crítica de los sentidos como forma de
conocimiento ha de fundamentarse en la intuición de principios incuestionables;
desde ese momento, la razón elabora construcciones cada vez más abstractas,
siguiendo un método deductivo.
También
en la filosofía existían grandes contrastes entre maneras de pensar
opuestas.
Algunos pensaban que la existencia era la naturaleza espiritual,
idealistas;
otros reducían todos los fenómenos de la naturaleza a cosas concretas,
materialistas.
El
materialismo, quizás, tuvo más defensores. El más importante fue Thomas
Hobbes. Otros filósofos también se preocuparon por la relación entre el
“alma” y el “cuerpo”, estos fueron Descartes y Spinoza.
4. Compositores principales
Corelli, Arcangelo
Barroco
ltalia [1653-1713]Nacido en el seno de una acaudalada familia de terratenientes. Fue compositor y violinista. Contribuyó a la cristalización del concerto grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores de este instrumento como Varacini, Germiniani y Viotti. Estudió en Bolonia, donde aparentemente tomó lecciones de violín de unos discípulos de Ercóla Gaibara. Desarrolló su actividad en Roma principalmente, salvo dos viajes por Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (luego del papa Alejandro VIII). Fue uno de los que continuaron la obra de Legrenzi y Vitali en la sonata antigua. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y bajo continuo), además de 12 para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn fueron récords de publicación y reedición
ROMEAU
Francia [1683-1764]
Compositor, creador de la ópera francesa. Fue maestro titular de los grandes órganos de Aviñón, Clermont-Ferrand, Dijon y de muchas iglesias parisinas además de un destacado autor de piezas para clave. Compuso música religiosa y cantatas. Saint-Sáens lo consideraba el más grande genio musical de Francia. También fue un explorador de nuevos territorios de la orquestación al frente de La Poupliniére y autor de un Tratado de armonía que sentó las bases teóricas de los siglos siguientes con su definición de la armonía y los acordes. Sin embargo, su participación más importante tuvo lugar en la ópera-ballet, que incluía unos recitativos llenos de musicalidad. Su espíritu dramático no siempre encontró una colaboración literaria de altura, aunque sí consiguió unir la inteligencia y la música sin ahorrar espacio para la emoción. La música de Rameau se caracteriza por el oficio excepcional de este compositor que quiere ser ante todo un teórico de su arte. No se dirige solamente a la inteligencia y Rameau ha sabido poner en obra idealmente su intención cuando afirmó «Je cherche à cacher l'art par l'art même»
Monteverdi, Claudio
Barroco
Italia [1567-1643]
Monteverdi revolucionó el mundo de la música aplicando medios
tradicionales a nuevos fines. Considerado uno de los padres del género
operístico, fue el responsable de los cambios drásticos que tendrían
lugar en la música a partir del 1600. Sus primeras óperas están llenas
de artificios, mientras que son más tradicionalistas sus madrigales,
motetes y música sacra en general. Su aporte más importante es el
llamado stile concitato, esto es, la reproducción realista de batallas y
otros escenarios afectivos, que influenciaron a Merulo en Italia y a
Schütz en Alemania. Se destacó en el uso de las emociones humanas en
música. De su Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y
luego a la capilla de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su
reputación estaba confirmada pero comenzaron a aparecer críticas a su
estilo que subordinó la música al servicio de las palabras.Couperin, Francois
Barroco
Francia [1668-1733]
4.1 J.S. Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco,
miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la
historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes
destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
4.1.1 Crítica Musical: " Conciertos Nº2 Brandemburgo"
El tipo de agrupación que suena es una orquesta de cuerda combinada con una de viento lo que significa, lo que significa que suenan las familias de viento y de cuerda. Los instrumentos que suenan de forma destacada sobre los demás son los violines y las trompetas.
La melodía es culta lo que significa que es compleja y no está hecha para tocarse en fiestas patronales. La textura de la obra es contrapuntística lo que significa que es una textura la cual suena una melodía y por debajo suena otra melodía totalmente distinta.
El procedimiento que usó Johan Sebastian Bach es la variación lo que significa que cada vez la melodía varía un poco combinada con la repetición lo que hace que la melodía se repita en toda la canción y también se usa la imitación lo que hace que se imite la melodía a lo largo de toda la pieza.
El tempo o movimiento de la obra esta comprendido entre el moderato y el allegro que son términos italianos que el primero significa que es un tempo o movimiento no muy acelerado ni muy retardado, el segundo término italiano significa que la música tiene un tempo o movimiento acelerado. Tiene una intensidad forte eso hace que la intensidad de los instrumentos esté elevada, tiene contrates con unos decrescendos que hay en la mitad de la pieza musical lo que hace que la pieza sea muy bonita.
En esta pieza musical hay varios instrumentos tocando como he dicho antes los que más sobre salen son la trompeta y el violín pero a parte de esos hay muchos más como el oboe, el clavicémbalo o el contrabajo.
A parte de todos los decrescendos que hay en la pieza musical existe uno al final que hace un bonito final. Las dos melodías que suenan son tocadas por las dos familias distintas que hay en la orquesta. Una melodía es tocada por los instrumentos de cuerda frotada y la otra melodía por los instrumentos de viento.
4.1.2 El Clave Bien Temperado
El Clave bien temperado o el Clavecín bien templadoen alemán: Das wohlt, es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.
miércoles, 22 de febrero de 2012
4.1.3 Variaciones Golberg Interpretada Por Glenn Gold
Variaciones Goldberg es el
nombre de una composición musical para teclado cuya composición fue
completada por el compositor barroco alemán
Johann Sebastian Bach en 1741.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.
El Clavier-Übung, título que hoy se escribiría en alemán como
palabra compuesta: «klavierübung» y que se traduciría líbremente
al español como «ejercicios para teclado», es un compendio demostrativo
de su obra para teclado, dividido en cuatro partes, y posiblemente
concebido para los que el mismo Bach denominaba liebhaber, es
decir, aficionados competentes y exigentes.
La primera parte del Clavier-Übung consiste en las Seis partitas BWV 825-830 de 1731. El Concierto italiano BWV 971 y la Obertura francesa BWV 831 aparecieron en 1735 como la segunda parte y la tercera parte fue publicada en 1739 incluyendo la Misa alemana para órgano BWV 669-689 y los Cuatro duetos para clave BWV 802-805. Las Variaciones Goldberg se publicaron como la cuarta y última de las entregas.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.
La primera parte del Clavier-Übung consiste en las Seis partitas BWV 825-830 de 1731. El Concierto italiano BWV 971 y la Obertura francesa BWV 831 aparecieron en 1735 como la segunda parte y la tercera parte fue publicada en 1739 incluyendo la Misa alemana para órgano BWV 669-689 y los Cuatro duetos para clave BWV 802-805. Las Variaciones Goldberg se publicaron como la cuarta y última de las entregas.
4.2 Händel
Georg Friedrich Händel ( 23
de febrero de 1685 – Londres, 14
de abril de 1759)
fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y
uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.
En la historia de la música, es el primer compositor moderno
en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y
necesidades del público,
en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
- Oratorios
Los oratorios de Händel no deben considerarse como música eclesiástica, ya que los destinó a la sala de concierto y no pensó en su uso litúrgico. Como texto utilizó el Antiguo Testamento. Algunos oratorios importantes son: “Saúl”, “Israel en Egipto”,, “Judas Macabeo” y “El Mesías”.
El estilo coral de Händel resultaba muy apropiado para los oratorios en los que el acento está puesto sobre la expresión comunitaria antes que sobre la individual. Händel utiliza coros donde se hubiese utilizado un aria en el oratorio italiano. La naturaleza colectiva del grupo coral da a estos pasajes un carácter impersonal, lo que da a la obra una grandeza no habitual en los oratorios anteriores.
- Estilo
Händel se distingue de muchos de sus contemporáneos por el carácter melódico de sus composiciones (influencia italiana), a lo que se une el sentido dramático y técnica alemana, y a lo que hay que añadir el sereno lirismo inglés.
La armonía es diatónica y claramente tonal y no suele pasar de tres o cuatro alteraciones en la armadura. Utiliza con frecuencia la escritura homofónica (vertical). Su armonía es sencilla, utiliza retardos y le gusta acentuar la cadencia perfecta.
Es el primer compositor en introducir las trompas y el contrafagot en la orquesta de ópera.
El estilo coral de Händel es menos contrapuntístico que el de Bach, ya que alterna pasajes fugados con bloques armónicos. Cuando pretende obtener la máxima plenitud coral, une las voces de la siguiente manera: bajos y tenores por una parte y sopranos y contraltos por otra. Este agrupamiento lo realiza con frecuencia en la cadencias conclusivas. Suele culminar los Allegros corales sobre un acorde inconcluso, luego hay varios acordes y para concluir los acordes cadenciales en Adagio.
4.2.1 El Estilo Coral De Händel
El Mesías HW 56 (en inglés Messiah, en alemán Der Messias, en francés Le Messie) es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.
La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.
Judas Macabeo es un oratorio en tres actos compuesta en 1746 por Georg Friedrich Händel basada en un libreto escrito por Thomas Morell. El oratorio fue concebido como un complemento a la victoria de Augusto el príncipe Guillermo, duque de Cumberland a su regreso de la batalla de Culloden (16 de abril 1746)..
4.3 Vivaldi
El estilo de Vivaldi es único. Creó su estilo dando de
yantar a su oído con numerosas melodías que tocaba de su violín tintado de
frescura e inmensa fuerza, el cuál destellaba de sus cuerdas un ambiente a
veces indolente y otros demasiados sensacionalistas. Aunque Tomaso Albinoni fue
en cierto modo un precursor de la obra de Vivaldi, sin duda las aportaciones de
este último en el ámbito del concierto para solista permiten otorgarle la
paternidad de esta forma musical. La estructura del concierto vivaldiano es
tripartirá, siguiendo el esquema rápido-lento-rápido. En los movimientos
rápidos las variadas y brillantes entradas del solista se intercalan entre las
diversas apariciones de la orquesta, que van repitiendo total o parcialmente un
breve tema expuesto al principio del movimiento. En los episodios confiados al
solista la orquesta se sitúa en un segundo plano, ejerciendo una mera función
de apoyo al virtuoso; éste trabaja sobre un tema generalmente simple, que se
repite varias veces hasta ahogarlas posibilidades y desembocar en una nueva
aparición de la orquesta. Los movimientos centrales, lentos, suelen ser cortos,
y tienen un marcado carácter lírico; su estructura puede oscilar entre una
disposición similar a la de los movimientos extremos y una más o menos libre
evolución del solista sobre un fondo orquestal.martes, 21 de febrero de 2012
4.3.1 Concierto Del Virtuosismo " Las Cuatro Estaciones"
Las cuatro estaciones
es el título de un libro de cuatro
conciertos para violín y orquesta
(La primavera, El verano, El otoño y El
invierno) del compositor italiano Antonio Vivaldi.Se trata de una
obra
descriptiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje
musical, distintos aspectos de las estaciones del año.
PRIMAVERA
Se trata así de buscar, por este orden, alusiones musicales a una alegre danza pastoral que nos sitúe en la bondad climatológica de los meses templados. Trata de personificar la primavera con un sorprendete duelo de trinos de pajarillos a cargo de los violines, de ahí a un ondulante murmullo de fuentes frescas y generosas seguida de una tempestad, tan violenta -despliegue de truenos y rayos- como pasajera. El movimiento se cierra con el canto de los pajarillos en medio de la bucólica danza inicial, que de hecho funciona como estribillo.
El juego es tan sencillo que me permito abreviarlo a guión.
VERANO
También en este concierto el primer movimiento abarca los ocho primeros versos. El tema inicial a cargo de la orquesta es laso como el verano italiano, mas pronto el violín se libra a nuevas imitaciones ornitológicas, que se ven interrumpidas por agitados vientos orquestales. El lánguido llanto del pastor ocupa la última entrada del solista. Una inefable sensación de reposo, sólo truncada por las casi brutales entradas de las cuerdas graves, constituye el núcleo del segundo movimiento. Los presagios de tempestad anunciados en el tiempo central se hacen realidad en el tercer movimiento, que evoca una formidable tormenta de verano.
Del sueño de los hombres, animales y toda la naturaleza bajo el insoportable calor; se despierta el cuco -jejeje-.
De este sueño general, al irritante zumbido de moscas y moscones mientras retumba los trueno de una borrasca lejana.
Por fin, ya en el presto; la tempestad del verano en toda su grandeza con fulminantes pasajes virtuosísticos del solista, el cual da replica con truenos y vientos el tutti orquestal.
OTOÑO
Ene medio de los bailes y canciones que los versos sugieren, parece que sea el violín solista el que haya apariciones así parecen atestiguarlo. El segundo movimiento recrea el hermoso goce de un dulcísimo sueño. Nunca el beato sueño del borracho fue descrito de manera tan benévola y perros enfurecidos campan a sus anchas en el tercer movimiento
Ya, la fiesta popular por las buenas cosechas del año; al borracho se le reconoce inmediatamente por las inciertas progresiones descendentes y ascendentes del violin solista que alterna con la danza.
INVIERNO
El invierno es el más débil de los conciertos que integran Las cuatro estaciones; con todo, hay que reconocer que el primer movimiento está realmente traspasado por vientos gélidos. El segundo movimiento, muy agradable, nos situa en un cálido interior, mientras fuera las goras de lluvia, sugeridas por las cuerdas en pizzicato, resbalan en los cristales. Giros, espirales y alguna caída en el hielo inaguran el tercer movimiento, en el que todos los vientos orquestales en guerra, gobernados por Vivaldi, cierran el concierto y el ciclo
PRIMAVERA
Se trata así de buscar, por este orden, alusiones musicales a una alegre danza pastoral que nos sitúe en la bondad climatológica de los meses templados. Trata de personificar la primavera con un sorprendete duelo de trinos de pajarillos a cargo de los violines, de ahí a un ondulante murmullo de fuentes frescas y generosas seguida de una tempestad, tan violenta -despliegue de truenos y rayos- como pasajera. El movimiento se cierra con el canto de los pajarillos en medio de la bucólica danza inicial, que de hecho funciona como estribillo.
El juego es tan sencillo que me permito abreviarlo a guión.
VERANO
También en este concierto el primer movimiento abarca los ocho primeros versos. El tema inicial a cargo de la orquesta es laso como el verano italiano, mas pronto el violín se libra a nuevas imitaciones ornitológicas, que se ven interrumpidas por agitados vientos orquestales. El lánguido llanto del pastor ocupa la última entrada del solista. Una inefable sensación de reposo, sólo truncada por las casi brutales entradas de las cuerdas graves, constituye el núcleo del segundo movimiento. Los presagios de tempestad anunciados en el tiempo central se hacen realidad en el tercer movimiento, que evoca una formidable tormenta de verano.
Del sueño de los hombres, animales y toda la naturaleza bajo el insoportable calor; se despierta el cuco -jejeje-.
De este sueño general, al irritante zumbido de moscas y moscones mientras retumba los trueno de una borrasca lejana.
Por fin, ya en el presto; la tempestad del verano en toda su grandeza con fulminantes pasajes virtuosísticos del solista, el cual da replica con truenos y vientos el tutti orquestal.
OTOÑO
Ene medio de los bailes y canciones que los versos sugieren, parece que sea el violín solista el que haya apariciones así parecen atestiguarlo. El segundo movimiento recrea el hermoso goce de un dulcísimo sueño. Nunca el beato sueño del borracho fue descrito de manera tan benévola y perros enfurecidos campan a sus anchas en el tercer movimiento
Ya, la fiesta popular por las buenas cosechas del año; al borracho se le reconoce inmediatamente por las inciertas progresiones descendentes y ascendentes del violin solista que alterna con la danza.
INVIERNO
El invierno es el más débil de los conciertos que integran Las cuatro estaciones; con todo, hay que reconocer que el primer movimiento está realmente traspasado por vientos gélidos. El segundo movimiento, muy agradable, nos situa en un cálido interior, mientras fuera las goras de lluvia, sugeridas por las cuerdas en pizzicato, resbalan en los cristales. Giros, espirales y alguna caída en el hielo inaguran el tercer movimiento, en el que todos los vientos orquestales en guerra, gobernados por Vivaldi, cierran el concierto y el ciclo
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