viernes, 24 de febrero de 2012

1. ¿Qué Entendemos Por Barroco?

La música barroca es el estilo musical relacionado con una época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVI (aproximadamente en 1585) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas,revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

EL BARROCO MUSICAL 1. Origen del término El término barroco (voz portuguesa que denota una perla de forma irregular) se tomó de la arquitectura (donde significa algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» aunque también es barroco algo recargado de ornamentos). En el siglo XVIII se usó peyorativamente para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado»

2. Instrumentos Musicales Del Barroco

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Instrumentos de cuerda
Laúd: instrumento de cuerda pulsada, muy apreciado para acompañar cancionesy como “continuo” en la música de cámara.Para superar sus dificultades sonoras se hicieron construír diferentes tipos de laúd.
Violín: instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas.
Viola: Es parecida al violín pero de mayor tamaño. Adopta diferentes tamaños, y generalmente está signada a ser un instrumento de la orquesta, no solista.
Violonchelo: Se utiliza como bajo continuo. También podía hacer un solo.
Instrumentos de viento
Viola da gamba: tiene seis cuerdas afinadas por cuartas

 El oboe: (francés: hautbois, «madera alta o aguda», ) es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble que hace de conducto para el soplo de aire. Su timbre se caracteriza por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy expresiva.
 La flauta dulce o flauta de pico: es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.
Un órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil. Este instrumento no se debe confundir con el clave (harpsichord, clavecín, clavicémbalo, clavicímbano), la espineta o el virginal.Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se puntea la cuerda con una pequeña púa de metal ("tangente") insertada en el extremo contrario de la tecla. Esta tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en su longitud. La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro agudo.
El clavecín (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo): es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra.

3. Carasterísticas Estilísticas

El barroco musical se desarrolla desde el siglo XVII, con la aparición de la primera ópera, hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Su nombre procede del portugués barrueco que significa perla grande e irregular. En esta época el poder real se fortalece debido a la creación de la monarquía absolutista. La sociedad se dividía en privilegiados y no privilegiados.
Los hombres ricos y poderosos, usaban la música para mostrar su superioridad al pueblo . La música entonces se vuelve indispensable para cualquier actividad. El músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles y les componian canciones. En el Barroco surgen los llamados castrati. También consiguieron gran popularidad los instrumentistas, los cuales inventaron el muermo,una manera muy particular y difícil de interpretar la música, debido a su velocidad y complejidad. La música más importante de esta época es la profana, en la que destaca como una de sus formas la opera. En las formas religiosas destaca el oratorio, la Cantata y la Pasión.

Textura

Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.

Estética y nuevas formas

En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés, y se vive además un resurgir de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias partes donde podían improvisar.

 

3.1 Nacimiento De La Ópera

La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidentalLa palabra opera significa "obras" en italiano (es el plural de opus, del Latín, que significa "obra" o "labor") sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).


Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.

3.2 Filosofía Sobre Las Pasiones Humanas De Descartes

 
La palabra “barroco” tiene origen en una palabra que significa “perla irregular”. En esta época se desarrollo un arte caracterizado por la valoración de las formas llenas de contrastes. El Barroco marcó una época llena de vanidad e irracionalidad, con una vida llena de ostentosidad y riqueza, pero al mismo tiempo surgen movimientos religiosos que dan la espalda a este tipo de vida, prefiriendo el retiro y la meditación. Las construcciones tipicas del barroco eran exageradas, al igual que cualquiera de las cosas que eran decoradas con el barroco.
 
La consigna de esta época fue el “Carpe Diem”, o lo que es lo mismo, goza de este vida, al igual que la frase “Memento Mori” que significa, recuerda que vas a morir.


La pasión es un movimiento que se imprime desde lo incorporal, que es la Inteligencia, el alma que se une por la razón a lo corporal o material (el cuerpo).
Las energías del Universo, de Dios, son la Inteligencia y el Alma. Todo está en movimiento, todo vibra. 
De manera que la inteligencia, como energía de la Creación es un motor que imprime en el cuerpo un movimiento que llamamos pasión. El cuerpo, entonces padece o sufre, mientras la Inteligencia actúa.

En ese movimiento que se imprime en el cuerpo, la pasión es vivida como una emoción fuerte, y en el amor hablamos de "fogosidad" causalmente, pues el fuego o ese calor, es el que nos tiende a llevar hacia lo alto, pues el fuego, como elemento se eleva. 


LAS PASIONES HUMANAS


                        a. Admiración, 
Descartes, en su obra Les passions de l’âme, considera a la admiración como una de las seis pasiones primitivas o fundamentales, y la describe como «la súbita sorpresa del alma que la lleva a considerar con atención los objetos que le parecen raros y extraordinarios»
b.     Amor, El amor es un concepto universal relativo a la afinidad entre seres, definido de diversas formas según las diferentes ideologías y puntos de vista
 c.     Odio, El odio es un sentimiento de profunda antipatía, rencor, disgusto, aversión, enemistad o repulsión hacia una persona, cosa, o fenómeno, así como el deseo de evitar, limitar o destruir a su objetivo.
d.     Alegría 
Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos. 
                      e. Tristeza Estado afectivo provocado por un decaimiento de la moral. Es la expresión del dolor afectivo mediante el llanto, el rostro abatido, la falta de apetito, etc. A menudo nos sentimos tristes cuando nuestras expectativas no se ven


   

 Época de contrastes e incertidumbres, que le tocó vivir a René Descartes. Su valiente búsqueda de la verdad, su clara conciencia de estar iniciando una nueva época, su anhelo por superar viejos esquemas desfasados, es el deseo de encontrar luz en una época de tinieblas. Es allí donde cimienta las bases del racionalismo filosófico y científico. Partiendo de la crítica de los sentidos como forma de conocimiento ha de fundamentarse en la intuición de principios incuestionables; desde ese momento, la razón elabora construcciones cada vez más abstractas, siguiendo un método deductivo.


También en la filosofía existían grandes contrastes entre maneras de pensar opuestas. Algunos pensaban que la existencia era la naturaleza espiritual, idealistas; otros reducían todos los fenómenos de la naturaleza a cosas concretas, materialistas.
 
El materialismo, quizás, tuvo más defensores. El más importante fue Thomas Hobbes. Otros filósofos también se preocuparon por la relación entre el “alma” y el “cuerpo”, estos fueron Descartes y Spinoza.

4. Compositores principales

Corelli, Arcangelo

Barroco

ltalia [1653-1713]
Nacido en el seno de una acaudalada familia de terratenientes. Fue compositor y violinista. Contribuyó a la cristalización del concerto grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores de este instrumento como Varacini, Germiniani y Viotti. Estudió en Bolonia, donde aparentemente tomó lecciones de violín de unos discípulos de Ercóla Gaibara. Desarrolló su actividad en Roma principalmente, salvo dos viajes por Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (luego del papa Alejandro VIII). Fue uno de los que continuaron la obra de Legrenzi y Vitali en la sonata antigua. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y bajo continuo), además de 12 para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn fueron récords de publicación y reedición

 ROMEAU

Francia [1683-1764]
Compositor, creador de la ópera francesa. Fue maestro titular de los grandes órganos de Aviñón, Clermont-Ferrand, Dijon y de muchas iglesias parisinas además de un destacado autor de piezas para clave. Compuso música religiosa y cantatas. Saint-Sáens lo consideraba el más grande genio musical de Francia. También fue un explorador de nuevos territorios de la orquestación al frente de La Poupliniére y autor de un Tratado de armonía que sentó las bases teóricas de los siglos siguientes con su definición de la armonía y los acordes. Sin embargo, su participación más importante tuvo lugar en la ópera-ballet, que incluía unos recitativos llenos de musicalidad. Su espíritu dramático no siempre encontró una colaboración literaria de altura, aunque sí consiguió unir la inteligencia y la música sin ahorrar espacio para la emoción. La música de Rameau se caracteriza por el oficio excepcional de este compositor que quiere ser ante todo un teórico de su arte. No se dirige solamente a la inteligencia y Rameau ha sabido poner en obra idealmente su intención cuando afirmó «Je cherche à cacher l'art par l'art même»

Monteverdi, Claudio

Barroco

Italia [1567-1643]
Monteverdi revolucionó el mundo de la música aplicando medios tradicionales a nuevos fines. Considerado uno de los padres del género operístico, fue el responsable de los cambios drásticos que tendrían lugar en la música a partir del 1600. Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que son más tradicionalistas sus madrigales, motetes y música sacra en general. Su aporte más importante es el llamado stile concitato, esto es, la reproducción realista de batallas y otros escenarios afectivos, que influenciaron a Merulo en Italia y a Schütz en Alemania. Se destacó en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su reputación estaba confirmada pero comenzaron a aparecer críticas a su estilo que subordinó la música al servicio de las palabras.

Couperin, Francois

Barroco

Francia [1668-1733]
Compositor y clavecinista nacido y muerto en París, vinculado al barroco. La música para laúd de la época influyó en su concepción del clave, especialmente la llamada cuarta generación representada por nombres como Jacques Gallot, Charles Mouton o Robert de Visée. Fue llamado el Grande, para distinguirlo de un tío suyo llamado de igual manera al que superó en calidad y por su papel en la historia. Compuso más de 200 obras para clave en total. Tiene en su catálogo cuatro libros de Ordres, nombre con el que distinguía a las suites o partitas. Su colección El arte de tocar el clave ejerció una poderosa influencia en J. S. Bach. En sus prefacios hace referencia a la manera de interpretar este instrumento. En su opinión, los estilos italiano y francés habían dividido a la república de la música en Francia. Él restaba importancia a la procedencia y confesó haberse sentido atraído por la composición después de haber conocido las primeras sonatas italianas. Incluso compuso una en trío llamada La Apoteosis de Corelli, que compensó con una Apoteosis del incomparable M. de Lully.

4.1 J.S. Bach

Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

4.1.1 Crítica Musical: " Conciertos Nº2 Brandemburgo"

Esta pieza se llama Concierto número 2 de Brandermburgo que ha sido compuesto por uno de los mejores compositores que han existido Johan Sebastian Bach.

El tipo de agrupación que suena es una orquesta de cuerda combinada con una de viento lo que significa, lo que significa que suenan las familias de viento y de cuerda. Los instrumentos que suenan de forma destacada sobre los demás son los violines y las trompetas.

 La melodía es culta lo que significa que es compleja y no está hecha para tocarse en fiestas patronales. La textura de la obra es contrapuntística lo que significa que es una textura la cual suena una melodía y por debajo suena otra melodía totalmente distinta.

El procedimiento que usó Johan Sebastian Bach es la variación lo que significa que cada vez la melodía varía un poco combinada con la repetición lo que hace  que la melodía se repita en toda la canción y también se usa la imitación lo que hace que se imite la melodía a lo largo de toda la pieza.

El tempo o movimiento de la obra esta comprendido entre el moderato y el allegro que son términos italianos que el primero significa que es un tempo o movimiento no muy acelerado ni muy retardado, el segundo término italiano significa que la música tiene un  tempo o movimiento acelerado. Tiene una intensidad forte eso hace que la intensidad de los instrumentos esté elevada, tiene contrates con unos decrescendos que hay en la mitad de la pieza musical lo que hace que la pieza sea muy bonita.

En esta pieza musical hay varios  instrumentos tocando como  he dicho antes los que más sobre salen son la trompeta y el violín pero a parte de esos  hay muchos más como el oboe, el clavicémbalo o el contrabajo.

A parte de todos los decrescendos que hay en la pieza musical existe uno al final que hace un bonito final. Las dos melodías que suenan son tocadas por las dos familias distintas que hay en la orquesta. Una melodía es tocada por los instrumentos de cuerda frotada y la otra melodía por los instrumentos de viento. 

A mi me parece que esta obra produce al que escucha un nerviosismo impropio de las demás obras de su género porque el tempo es bastante rápido y además el sonido de los violines tocando tan rápido siempre me ha parecido muy extravagante.


4.1.2 El Clave Bien Temperado


El Clave bien temperado o el Clavecín bien templadoen alemán: Das wohlt, es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.

Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero. Ambos comparten el mismo esquema: cada libro comprende 24 grupos constituidos por un preludio y una fuga en la misma tonalidad. Empieza por la tonalidad de do mayor, y después la de do menor, a la que le sigue do sostenido mayor y así sucesivamente, hasta haber completado toda la gama cromática de mayor a menor. Es, por tanto, una colección enorme que comprende 48 preludios y 48 fugas cuyo objetivo es, a la vez, musical, teórico y didáctico.

miércoles, 22 de febrero de 2012

4.1.3 Variaciones Golberg Interpretada Por Glenn Gold

Variaciones Goldberg es el nombre de una composición musical para teclado cuya composición fue completada por el compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach en 1741.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.
El Clavier-Übung, título que hoy se escribiría en alemán como palabra compuesta: «klavierübung» y que se traduciría líbremente al español como «ejercicios para teclado», es un compendio demostrativo de su obra para teclado, dividido en cuatro partes, y posiblemente concebido para los que el mismo Bach denominaba liebhaber, es decir, aficionados competentes y exigentes.
La primera parte del Clavier-Übung consiste en las Seis partitas BWV 825-830 de 1731. El Concierto italiano BWV 971 y la Obertura francesa BWV 831 aparecieron en 1735 como la segunda parte y la tercera parte fue publicada en 1739 incluyendo la Misa alemana para órgano BWV 669-689 y los Cuatro duetos para clave BWV 802-805. Las Variaciones Goldberg se publicaron como la cuarta y última de las entregas.

4.2 Händel

Georg Friedrich Händel ( 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.




- Oratorios
Los oratorios de Händel no deben considerarse como música eclesiástica, ya que los destinó a la sala de concierto y no pensó en su uso litúrgico. Como texto utilizó el Antiguo Testamento. Algunos oratorios importantes son: “Saúl”, “Israel en Egipto”,, “Judas Macabeo” y “El Mesías”.
El estilo coral de Händel resultaba muy apropiado para los oratorios en los que el acento está puesto sobre la expresión comunitaria antes que sobre la individual. Händel utiliza coros donde se hubiese utilizado un aria en el oratorio italiano. La naturaleza colectiva del grupo coral da a estos pasajes un carácter impersonal, lo que da a la obra una grandeza no habitual en los oratorios anteriores.

- Estilo
Händel se distingue de muchos de sus contemporáneos por el carácter melódico de sus composiciones (influencia italiana), a lo que se une el sentido dramático y técnica alemana, y a lo que hay que añadir el sereno lirismo inglés.
La armonía es diatónica y claramente tonal y no suele pasar de tres o cuatro alteraciones en la armadura. Utiliza con frecuencia la escritura homofónica (vertical). Su armonía es sencilla, utiliza retardos y le gusta acentuar la cadencia perfecta.
Es el primer compositor en introducir las trompas y el contrafagot en la orquesta de ópera.
El estilo coral de Händel es menos contrapuntístico que el de Bach, ya que alterna pasajes fugados con bloques armónicos. Cuando pretende obtener la máxima plenitud coral, une las voces de la siguiente manera: bajos y tenores por una parte y sopranos y contraltos por otra. Este agrupamiento lo realiza con frecuencia en la cadencias conclusivas. Suele culminar los Allegros corales sobre un acorde inconcluso, luego hay varios acordes y para concluir los acordes cadenciales en Adagio.

4.2.1 El Estilo Coral De Händel

En el Barroco, las formas musicales evolucionan pero no se pierde todo lo anterior. El Barroco aporta tres nuevas formas musicales de interés para la música coral: la ópera, el oratorio, la fuga. Las dos primeras requieren coros; mientras que la tercera, culminación del arte del contrapunto, es introducida sobre todo en números de oratorio, como los números finales de El Mesías o bien Judas Maccabeus de Händel

El Mesías HW 56 (en inglés Messiah, en alemán Der Messias, en francés Le Messie) es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.
La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Judas Macabeo  es un oratorio en tres actos compuesta en 1746 por Georg Friedrich Händel basada en un libreto escrito por Thomas Morell. El oratorio fue concebido como un complemento a la victoria de Augusto el príncipe Guillermo, duque de Cumberland a su regreso de la batalla de Culloden (16 de abril 1746)..

4.3 Vivaldi



El estilo de Vivaldi es único. Creó su estilo dando de yantar a su oído con numerosas melodías que tocaba de su violín tintado de frescura e inmensa fuerza, el cuál destellaba de sus cuerdas un ambiente a veces indolente y otros demasiados sensacionalistas. Aunque Tomaso Albinoni fue en cierto modo un precursor de la obra de Vivaldi, sin duda las aportaciones de este último en el ámbito del concierto para solista permiten otorgarle la paternidad de esta forma musical. La estructura del concierto vivaldiano es tripartirá, siguiendo el esquema rápido-lento-rápido. En los movimientos rápidos las variadas y brillantes entradas del solista se intercalan entre las diversas apariciones de la orquesta, que van repitiendo total o parcialmente un breve tema expuesto al principio del movimiento. En los episodios confiados al solista la orquesta se sitúa en un segundo plano, ejerciendo una mera función de apoyo al virtuoso; éste trabaja sobre un tema generalmente simple, que se repite varias veces hasta ahogarlas posibilidades y desembocar en una nueva aparición de la orquesta. Los movimientos centrales, lentos, suelen ser cortos, y tienen un marcado carácter lírico; su estructura puede oscilar entre una disposición similar a la de los movimientos extremos y una más o menos libre evolución del solista sobre un fondo orquestal.

martes, 21 de febrero de 2012

4.3.1 Concierto Del Virtuosismo " Las Cuatro Estaciones"


Las cuatro estaciones es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta (La primavera, El verano, El otoño y El invierno) del compositor italiano Antonio Vivaldi.Se trata de una obra descriptiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.

PRIMAVERA 

Se trata así de buscar, por este orden, alusiones musicales a una alegre danza pastoral que nos sitúe en la bondad climatológica de los meses templados. Trata de personificar la primavera con un sorprendete duelo de trinos de pajarillos a cargo de los violines, de ahí a un ondulante murmullo de fuentes frescas y generosas seguida de una tempestad, tan violenta -despliegue de truenos y rayos- como pasajera. El movimiento se cierra con el canto de los pajarillos en medio de la bucólica danza inicial, que de hecho funciona como estribillo.
El juego es tan sencillo que me permito abreviarlo a guión.


 VERANO

También en este concierto el primer movimiento abarca los ocho primeros versos. El tema inicial a cargo de la orquesta es laso como el verano italiano, mas pronto el violín se libra a nuevas imitaciones ornitológicas, que se ven interrumpidas por agitados vientos orquestales. El lánguido llanto del pastor ocupa la última entrada del solista. Una inefable sensación de reposo, sólo truncada por las casi brutales entradas de las cuerdas graves, constituye el núcleo del segundo movimiento. Los presagios de tempestad anunciados en el tiempo central se hacen realidad en el tercer movimiento, que evoca una formidable tormenta de verano.

Del sueño de los hombres, animales y toda la naturaleza bajo el insoportable calor; se despierta el cuco -jejeje-.
De este sueño general, al irritante zumbido de moscas y moscones mientras retumba los trueno de una borrasca lejana.
Por fin, ya en el presto; la tempestad del verano en toda su grandeza con fulminantes pasajes virtuosísticos del solista, el cual da replica con truenos y vientos el tutti orquestal.


 OTOÑO 

Ene medio de los bailes y canciones que los versos sugieren, parece que sea el violín solista el que haya apariciones así parecen atestiguarlo. El segundo movimiento recrea el hermoso goce de un dulcísimo sueño. Nunca el beato sueño del borracho fue descrito de manera tan benévola y perros enfurecidos campan a sus anchas en el tercer movimiento

Ya, la fiesta popular por las buenas cosechas del año; al borracho se le reconoce inmediatamente por las inciertas progresiones descendentes y ascendentes del violin solista que alterna con la danza. 


  INVIERNO

El invierno es el más débil de los conciertos que integran Las cuatro estaciones; con todo, hay que reconocer que el primer movimiento está realmente traspasado por vientos gélidos. El segundo movimiento, muy agradable, nos situa en un cálido interior, mientras fuera las goras de lluvia, sugeridas por las cuerdas en pizzicato, resbalan en los cristales. Giros, espirales y alguna caída en el hielo inaguran el tercer movimiento, en el que todos los vientos orquestales en guerra, gobernados por Vivaldi, cierran el concierto y el ciclo